Körperlichkeit & Papier | galerie michaela stock

Christian Bazant-Hegemark
Die Serie Time is Personal (2021–2024) von Christian Bazant-Hegemark setzt sich mit persönlicher Verletzlichkeit und der vielschichtigen Beziehung zur Zeit auseinander.
Im Zentrum der Serie steht das Paradoxon, dass die Zeit weder einen klaren Anfang hat noch jemals vollständig endet. Diese Schwebe zwischen einem nie greifbaren Beginn und einem unausweichlichen Ende verdeutlicht die Fragilität des menschlichen Daseins, das sich immer zwischen den Polen von Vergangenheit und Zukunft bewegt.
Bazant-Hegemark gelingt es, die Unsicherheit und Unbestimmtheit, die diese zeitliche Zwischensituation prägt, in seinen Zeichnungen einzufangen. Die detailreiche Darstellung verstärkt die emotionale Verbindung zu den gezeigten Momenten und vermittelt das Gefühl, dass das Vergangene zwar nicht direkt greifbar, aber dennoch präsent bleibt. Auf diese Weise wird die Serie zu einer subtilen, aber kraftvollen Auseinandersetzung mit der Vergänglichkeit und der Bedeutung von Erinnerungen.

Patrick Baumüller
The Devil And Me (Walking Side By Side) beschäftigt sich mit der Idee der zweiten, verborgenen Person im Inneren eines Menschen – dem ewigen Ringen zwischen Gut und Böse. Das Werk spielt mit der Vorstellung des Teufelchens, das bei Entscheidungen die vermeintlich „böse“ Wahl favorisiert oder den „falschen“ Weg empfiehlt. In diesem Diorama wird diese innere Auseinandersetzung zu einem existenzialistischen Theaterstück, in dem die Figur des Teufels als Origami-Falt-Objekt konkretisiert wird. Durch das Einblasen von Luft verwandelt sich die flache Falte in eine dreidimensionale, tragbare Skulptur. Die Modellfiguren setzen sich dieses Objekt wie eine Maske auf den Kopf und stellen so die Trennung zwischen Gut und Böse infrage, indem sie die Vorstellung von moralischer Dualität auf eine neue, physische Ebene heben.
Dramaqueen beschäftigt sich mit der intensiven Kraft von Emotionen, die durch das Schreiben zum Ausdruck kommen. Die Arbeit erinnert an die Zeiten, in denen wir als Jugendliche versuchten, unser Herz auf Papier auszuschütten – sei es in Form von Liebesbriefen oder verzweifelten, teils hasserfüllten Botschaften. Baumüller untersucht, wie Emotionen, obwohl sie im geschriebenen Wort kontrolliert erscheinen mögen, eine immense Kraft entwickeln, die die Texte mit Energie füllen. Diese emotionale Achterbahnfahrt wird nicht nur durch den Inhalt, sondern auch durch die haptische Erfahrung des Schreibens verstärkt: das Kuvert, das Papier, die Tinte und das Schreibwerkzeug beeinflussen die Form und Wirkung der Handschrift.

Julia Bugram
Julia Bugram setzt sich in ihrem Werk mit gesellschaftlichen Strukturen, Identität und Machtverhältnissen auseinander. Ihre Arbeiten, die von Zeichnungen über Scherenschnitte bis hin zu skulpturalen Ansätzen reichen, thematisieren soziale Ungerechtigkeiten und patriarchale Werte. Ein zentraler Fokus liegt auf der Reflexion über die Bedingungen, unter denen Frauen ihre Individualität, Sexualität und Selbstwirksamkeit leben. Dabei schafft sie einen visuellen Diskurs, der Freiräume für neue Daseinsformen eröffnet, ohne bestehende Strukturen völlig zu negieren.
In ihrer Serie Sexualisierung & Selbstbestimmung enthüllt Bugram die voyeuristische Objektifizierung des weiblichen Körpers. Sie lädt die Betrachter*innen ein, sich der Macht- und Kontrollmechanismen bewusst zu werden, die Frauen in Passivität und Ohnmacht drängen. Bugrams Werke fordern die Rezipient*innen auf, tiefere Schichten der Wahr-nehmung zu erkunden und unterdrückte Stimmen sichtbar zu machen. Sie ruft dazu auf,
die innere und äußere Welt umzugestalten, um Gerechtigkeit und Gleichberechtigung für
alle zu verwirklichen.

Ivica Capan
Ivica Capan beschäftigt sich in seiner Kunst mit dem Menschen, dem Transport und der Bewegung, sowohl physisch als auch emotional. Er reflektiert, wie der Mensch sich in einer digitalen und technologisierten Welt bewegt, in der ständig Bilder und Informationen übertragen werden. Capan hinterfragt, wie diese Bewegung das Individuum und seine Identität beeinflusst, und thematisiert die Dynamik zwischen realem und virtuellem Raum. Durch digitale und traditionelle Kunstformen zeigt er die Fragilität menschlicher Erfahrung und die Möglichkeit der Veränderung in einer global vernetzten Gesellschaft. Bewegung wird in seinen Arbeiten zu einem metaphorischen Transport, der Entfremdung und Veränderung zugleich darstellt.

Ingrid Cogne
The dramaturgy of Conversation
Wie kann der Kontext, die Struktur, der Ort und die Dauer vorhandener oder erzeugter Gesprächssituationen die (Re-)Artikulation der involvierten Personen unterstützen? Wie können Gespräche angewandt oder mit ihnen gearbeitet werden? Wie können Parameter eines Gesprächs gelesen, gelebt und verkörpert werden? Wie kann ein Gespräch ermöglicht werden? Wie ermöglicht eine Situation in sich selbst die Begegnung mit Wissen? Wie kann eine Gesprächssituation geschaffen werden, die selbst als „Ermöglicherin“ fungiert?
Die Dramaturgie des Gesprächs zielt darauf ab, unterschiedliche Zugänge, Analysen und Praktiken von Gesprächen zu untersuchen. Verschiedene Gesprächsformen und mehrere verwandte Wissen(sformen) werden ausgehend von unterschiedlichen Positionen und Perspektiven hinterfragt. Die untersuchten Daten stammen aus privaten, externen oder (für das und innerhalb des Projekts) erzeugten Archiven. In diesem Projekt analysiert, entwickelt/ transformiert, re-artikuliert und re-strukturiert Ingrid Cogne die Art und Weise, wie Gespräche erzeugt, ermöglicht und gelebt werden.

Evelyn Loschy
Evelyn Loschy nutzt in ihrer Serie Sandpaper Works – In Between I (2023) Schleifpapier als zentrales Medium, um die Dokumentation von Bewegung und Fall in ihrer Performance auf einzigartige Weise zu transformieren. Das Schleifpapier fungiert dabei nicht nur als Träger, sondern auch als aktives Element, das die physische und metaphorische Abnutzung sichtbar macht. Durch die Übertragung der Performance mittels eines selbst konstruierten Apparates entstehen Spuren, die die Dynamik und die Flüchtigkeit der Bewegung konservieren und zugleich ihre Zerbrechlichkeit betonen.
Die raue Textur des Schleifpapiers wirkt dabei wie ein Gedächtnis, das den Prozess des Vergehens und der Veränderung festhält. Die Dokumentation wird nicht bloß abgebildet, sondern physisch in das Material eingeschrieben, wodurch sie sich in eine fragile und zugleich kraftvolle visuelle Sprache übersetzt. Diese Transformation verdeutlicht die Verletzlichkeit des Moments und eröffnet zugleich eine Reflexion über die Unausweichlichkeit von Veränderung, Verlust und Erneuerung.

Denise Schellmann
Mit Metamorphose I thematisiert Denise Schellmann den Kreislauf von Entstehung und Verfall. Das Diptychon umfasst zwei gerahmte Arbeiten mit jeweils 49 Mini-Zeichnungen: Auf der linken Seite zeigt sie das Werden – die Entwicklung und Entfaltung, die sowohl den Schaffensprozess einer Zeichnung als auch das Wachsen des Lebens selbst versinnbildlicht. Die rechte Seite hingegen widmet sich dem Vergehen und verdeutlicht den Zerfall und die Auflösung desselben Motivs.
Schellmanns künstlerisches Werk basiert auf ihrer langjährigen Tätigkeit als Naturwissenschaftlerin in der Krebsforschung, wo sie das fragile Gleichgewicht zwischen Leben und Tod, zwischen Zellwachstum und Verfall studierte. Dieses wissenschaftliche Wissen kombiniert sie mit persönlichen Eindrücken und übersetzt es in eine filigrane und zugleich ausdrucksstarke Bildsprache, die ihre Arbeiten tief prägt.

Viktors Svikis
Viktor Svikis‘ Werk Unboxing zeigt eine Frau, die Yoga praktiziert und symbolisch in eine Box geschoben wird, Diese Darstellung thematisiert die Begrenzung individueller Freiheit und das Gefühl der Eingeschränktheit. Svikis verwendet eine Technik, die zwischen Grafitikunst und der Malweise alter Meister pendelt. Er arbeitet auf Papier, das er auf Leinwand klebt, wodurch die Zeichnung in die Ölmalerei übergeht. Diese einzigartige Mischung von Medien und Stilen verstärkt die visuelle und konzeptionelle Spannung des Werkes, das klassische Malerei mit modernen, grafischen Elementen vereint.